![Le portrait de l’écrivain Flannery O’Connor par le réalisateur Ethan Hawke brouille ses vérités et ses fictions [TIFF]](https://mycamer.net/wp-content/uploads/2023/09/Wildcat_Stills_01_038-1-1-360x180.jpg)
Dans cet atelier, nous vous montrerons comment créer des portraits surréalistes en utilisant vos propres photos, modèles 3D et pinceaux personnalisés. L’atelier utilise ZBrush et Keyshot pour créer des modèles 3D et des rendus. La plupart de la forme et de la composition de l’image sont intégrées dans Photoshop avec des mélanges d’images, de textures et de coups de pinceau.
Mais qu’est-ce que l’art du portrait surréaliste? Eh bien, le surréalisme est une forme d’art qui s’appuie sur les rêves et le subconscient, allant des représentations oniriques d’objets du quotidien au carrément bizarre. L’art du portrait surréaliste combine le monde conscient (c’est-à-dire le sujet du portrait) avec les formes hallucinantes, les couleurs et les symboles du monde inconscient. Le résultat est une esthétique unique et intéressante avec une base dans le monde réel.
Envie d’explorer davantage votre créativité 3D? Consultez notre liste des meilleur logiciel de modélisation 3D.
Comment fonctionnera le processus?
Ce processus commence par des formes simples qui sont répétées, retournées et pivotées pour construire l’œuvre d’art et trouver des formes plus abstraites pour remplir la composition. Nous commençons dans ZBrush, en créant des formes en spirale de base qui ressemblent à des éléments organiques tels que des cornes et des branches, puis les restituer dans KeyShot avec trois couches pour créer de la lumière, de la profondeur et de l’ombre. Ces itérations sont ensuite enregistrées en tant que fichiers Photoshop avec un arrière-plan transparent, afin de pouvoir les faire glisser dans la composition principale pour créer la silhouette globale.
Une fois que nous serons satisfaits de la forme générale de la composition, nous l’apporterons dans Painter et utiliserons des pinceaux mélangeurs tels que le mélangeur fracturé et le mélangeur huileux Stencil pour le diviser en une peinture abstraite sur plusieurs couches. Lorsque nous serons satisfaits des textures globales et des formes abstraites ici, nous déplacerons l’image entre Painter et Photoshop à l’aide de masques et de calques de réglage pour finaliser les formes, les tons et les détails, ce qui complète l’œuvre d’art. Voici le tutoriel, gracieuseté de Ken Coleman.
01. Trouvez l’inspiration
(Image: © Ken Coleman)
Mon fils Luke est devenu l’une des principales inspirations de mon travail personnel, et je prends souvent des images de lui tôt le matin lorsque les cheveux du lit et la lumière du matin font une excellente combinaison. Les principaux éléments que j’utilise pour démarrer l’une de mes œuvres personnelles sont un sujet fort, des photos d’accessoires, des éléments 3D abstraits et des images de textures et de particules que je crée moi-même.
02. Préparez votre image
(Image: © Ken Coleman)
Je choisis une image et j’utilise le plug-in PortraitPro pour gagner du temps lors de l’édition de la peau. Mon processus de notation que j’utilise sur toutes mes images consiste à dupliquer le calque, puis Image> Désaturer sur ce calque supérieur, suivi de Netteté> Masque flou à 150% à 1,5 pixels. J’ai défini ce calque sur Lumière douce pour donner plus de profondeur et d’ombres à mon image. Je fusionne ces deux couches, puis en utilisant le filtre Camera Raw, j’augmente la clarté et les ombres et réduit les hautes lumières et le blanc.
03. Créez de la 3D abstraite
(Image: © Ken Coleman)
J’ouvre ZBrush et sélectionne la forme de base en spirale. J’appuie sur T pour Transformer pour le transformer en modèle 3D et en utilisant le menu Initialiser, manipuler la forme pour ressembler à quelque chose d’organique. Quand je suis satisfait de la forme, j’en fais une forme 3D Polymesh. Je sculpte ensuite cette forme en utilisant le pinceau Snake Hook avec Sculptris activé et une combinaison du pinceau Fracture et des outils Creature pour créer des formes organiques abstraites.
04. Rendu du modèle dans KeyShot
(Image: © Ken Coleman)
L’étape suivante consiste à intégrer ce modèle dans KeyShot. Cela se fait en sélectionnant Menu de rendu ZBrush> Keyshot, puis en appuyant sur le bouton BPR. Cela ouvre le modèle dans Keyshot, que je rend dans ces matériaux: Red Clay, Blue White Rim et GoZBrush Human Skin. Ces trois matériaux sont ensuite rendus sous forme de fichiers PSD et combinés en un seul fichier PSD dans Photoshop.
05. Texture utilisant des nœuds de fusion
(Image: © Ken Coleman)
Je combine les trois matériaux en utilisant le mode Lumière douce avec de l’argile rouge comme couche de base. Ils sont ensuite fusionnés en un seul calque. Je sélectionne Image> Réglage> Courbes et image> Couleur automatique pour obtenir les bons tons. J’ajoute également les détails et la luminosité d’un calque dupliqué avec Filtre> Filtre Camera Raw. Les pièces 3D peuvent être texturées dans la composition ou en aplatissant le modèle 3D puis en ajoutant des textures, toujours avec un mode de fusion Soft Light. En ajoutant un fond blanc et en aplatissant l’image, le rendu 3D peut être découpé avec la baguette magique, de sorte que le rendu et les textures soient prêts pour la composition.
06. Inspirez-vous de votre héritage
(Image: © Ken Coleman)
J’utilise l’outil Lasso avec la baguette magique pour découper la tête et la placer sur la toile du projet. Je commence ensuite à construire la forme générale en utilisant les modèles 3D abstraits combinés avec mes propres textures et photos. Dans ce cas, j’ai choisi d’utiliser mes photos d’objets colombiens, car Luke est à moitié colombien et à moitié irlandais. J’utilise des pinceaux de texture et Filtre> Flou> Flou de surface pour peindre la peau. J’utilise également le plug-in AKVIS OilPaint pour guider mes coups de pinceau.
07. Construire la composition
(Image: © Ken Coleman)
Une fois que je suis satisfait de la disposition générale et de la combinaison des calques, des textures mélangées et des coups de pinceau, j’appuie sur Fichier> Dupliquer pour faire une copie du projet. Je passe par plusieurs itérations et prends souvent des pièces de différentes versions pour construire le composite final. Je fusionne les calques pour créer le portrait, mais fusionne l’arrière-plan séparément. Cela me permet de créer un Alpha ou un Stencil du sujet à copier et coller dans d’autres versions.
08. Peindre sur l’image préparée
(Image: © Ken Coleman)
Pour préparer mon image pour Corel Painter. Je duplique le calque sujet deux fois et fais de même pour les calques d’arrière-plan. J’enregistre ensuite ce fichier avec le même nom de projet mais avec «PAINTER» à la fin du nom de fichier afin que je sache quelle version ouvrir dans Painter pour la fusion.
09. Briser l’image
(Image: © Ken Coleman)
J’utilise une combinaison de seulement trois par défaut Peintre de Corel pinceaux pour commencer à briser mon image, pour qu’elle ressemble à une peinture abstraite créée avec des couteaux à palette. Ceux-ci se trouvent dans la palette Pinceau. Dans le menu Blender Brushes, j’utilise Fractured Blender et Stencil Oily Blender, et je travaille au trait avec le pinceau Spring Concept Creature qui se trouve dans le dossier Pinceaux de particules. Satisfait de mes calques abstraits, je retourne sur Photoshop pour affiner ces éléments.
10. Rincer, laver, répéter
(Image: © Ken Coleman)
Ce vieil adage résume mon processus. Je peux finir avec trois à six itérations de la même image. J’en garde souvent une comme image principale, puis en utilisant l’outil Lasso et le masque rapide de Photoshop, je coupe des parties de chacune et les combine dans une image principale. J’apporte également plus de textures et d’objets 3D à superposer et à se fondre dans l’image. Je réduis également la taille du sujet de 30%.
11. Utilisez la symétrie et l’abstraction lorsque vous êtes à l’arrêt
(Image: © Ken Coleman)
Je fais une copie de l’image, l’aplatis, duplique le calque et le retourne sur lui-même. En utilisant les modes de fusion tels que Éclaircir et Assombrir, je déplace le calque supérieur sur le bas pour trouver des formes abstraites. Je fusionne et copie ces derniers dans de nouveaux calques et découpe les parties intéressantes. Ceux-ci sont disposés et déposés sur la copie principale pour voir ce qui fonctionne.
12.Faire des ajustements de couleur
(Image: © Ken Coleman)
J’enregistre une copie en tant que nouvelle version, avant de fusionner tous les calques du sujet et de l’arrière-plan séparément et de créer un nouvel Alpha / Stencil. En utilisant ce pochoir sur un nouveau calque défini sur Lumière douce, je peins dans certains bords sombres pour donner à la silhouette un bord plus fort. Cela ajoute une nouvelle couche de profondeur à la composition globale. Puis sur un nouveau calque je dessine des lignes plus fines sur le sujet.
13. Ajoutez les derniers éléments de la photo
(Image: © Ken Coleman)
Je m’éloigne de l’image pendant une journée et reviens avec un regard neuf. Je décide de réduire la taille du cou. J’ajoute ensuite une lueur de jante sous le cou sur un nouveau calque à l’aide de l’outil Lasso et j’applique un jeu de dégradé orange en mode de fusion Pin Light. Je ramène les éléments photographiques pour renforcer le détail et l’aspect culturel. Alors que la pièce approche de sa fin, je décide de créer une autre copie. J’ai à nouveau découpé l’image en utilisant les calques de pochoir d’origine d’un autre fichier. Je réduis la taille du cou, agrandit légèrement la tête et ajoute Grá, qui est Irish for Love écrit en Ogham. Cela équilibre les symboles culturels et la peinture est complète.
Cet article a été initialement publié dans ImagineFX, le magazine le plus vendu au monde pour les artistes numériques. Abonnez-vous ici.
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Mais qu’est-ce que l’art du portrait surréaliste? Eh bien, le surréalisme est une forme d’art qui s’appuie sur les rêves et le subconscient, allant des représentations oniriques d’objets du quotidien au carrément bizarre. L’art du portrait surréaliste combine le monde conscient (c’est-à-dire le sujet du portrait) avec les formes hallucinantes, les couleurs et les symboles du monde inconscient. Le résultat est une esthétique unique et intéressante avec une base dans le monde réel.
Envie d’explorer davantage votre créativité 3D? Consultez notre liste des meilleur logiciel de modélisation 3D.
Comment fonctionnera le processus?
Ce processus commence par des formes simples qui sont répétées, retournées et pivotées pour construire l’œuvre d’art et trouver des formes plus abstraites pour remplir la composition. Nous commençons dans ZBrush, en créant des formes en spirale de base qui ressemblent à des éléments organiques tels que des cornes et des branches, puis les restituer dans KeyShot avec trois couches pour créer de la lumière, de la profondeur et de l’ombre. Ces itérations sont ensuite enregistrées en tant que fichiers Photoshop avec un arrière-plan transparent, afin de pouvoir les faire glisser dans la composition principale pour créer la silhouette globale.
Une fois que nous serons satisfaits de la forme générale de la composition, nous l’apporterons dans Painter et utiliserons des pinceaux mélangeurs tels que le mélangeur fracturé et le mélangeur huileux Stencil pour le diviser en une peinture abstraite sur plusieurs couches. Lorsque nous serons satisfaits des textures globales et des formes abstraites ici, nous déplacerons l’image entre Painter et Photoshop à l’aide de masques et de calques de réglage pour finaliser les formes, les tons et les détails, ce qui complète l’œuvre d’art. Voici le tutoriel, gracieuseté de Ken Coleman.
01. Trouvez l’inspiration
(Image: © Ken Coleman)
Mon fils Luke est devenu l’une des principales inspirations de mon travail personnel, et je prends souvent des images de lui tôt le matin lorsque les cheveux du lit et la lumière du matin font une excellente combinaison. Les principaux éléments que j’utilise pour démarrer l’une de mes œuvres personnelles sont un sujet fort, des photos d’accessoires, des éléments 3D abstraits et des images de textures et de particules que je crée moi-même.
02. Préparez votre image
(Image: © Ken Coleman)
Je choisis une image et j’utilise le plug-in PortraitPro pour gagner du temps lors de l’édition de la peau. Mon processus de notation que j’utilise sur toutes mes images consiste à dupliquer le calque, puis Image> Désaturer sur ce calque supérieur, suivi de Netteté> Masque flou à 150% à 1,5 pixels. J’ai défini ce calque sur Lumière douce pour donner plus de profondeur et d’ombres à mon image. Je fusionne ces deux couches, puis en utilisant le filtre Camera Raw, j’augmente la clarté et les ombres et réduit les hautes lumières et le blanc.
03. Créez de la 3D abstraite
(Image: © Ken Coleman)
J’ouvre ZBrush et sélectionne la forme de base en spirale. J’appuie sur T pour Transformer pour le transformer en modèle 3D et en utilisant le menu Initialiser, manipuler la forme pour ressembler à quelque chose d’organique. Quand je suis satisfait de la forme, j’en fais une forme 3D Polymesh. Je sculpte ensuite cette forme en utilisant le pinceau Snake Hook avec Sculptris activé et une combinaison du pinceau Fracture et des outils Creature pour créer des formes organiques abstraites.
04. Rendu du modèle dans KeyShot
(Image: © Ken Coleman)
L’étape suivante consiste à intégrer ce modèle dans KeyShot. Cela se fait en sélectionnant Menu de rendu ZBrush> Keyshot, puis en appuyant sur le bouton BPR. Cela ouvre le modèle dans Keyshot, que je rend dans ces matériaux: Red Clay, Blue White Rim et GoZBrush Human Skin. Ces trois matériaux sont ensuite rendus sous forme de fichiers PSD et combinés en un seul fichier PSD dans Photoshop.
05. Texture utilisant des nœuds de fusion
(Image: © Ken Coleman)
Je combine les trois matériaux en utilisant le mode Lumière douce avec de l’argile rouge comme couche de base. Ils sont ensuite fusionnés en un seul calque. Je sélectionne Image> Réglage> Courbes et image> Couleur automatique pour obtenir les bons tons. J’ajoute également les détails et la luminosité d’un calque dupliqué avec Filtre> Filtre Camera Raw. Les pièces 3D peuvent être texturées dans la composition ou en aplatissant le modèle 3D puis en ajoutant des textures, toujours avec un mode de fusion Soft Light. En ajoutant un fond blanc et en aplatissant l’image, le rendu 3D peut être découpé avec la baguette magique, de sorte que le rendu et les textures soient prêts pour la composition.
06. Inspirez-vous de votre héritage
(Image: © Ken Coleman)
J’utilise l’outil Lasso avec la baguette magique pour découper la tête et la placer sur la toile du projet. Je commence ensuite à construire la forme générale en utilisant les modèles 3D abstraits combinés avec mes propres textures et photos. Dans ce cas, j’ai choisi d’utiliser mes photos d’objets colombiens, car Luke est à moitié colombien et à moitié irlandais. J’utilise des pinceaux de texture et Filtre> Flou> Flou de surface pour peindre la peau. J’utilise également le plug-in AKVIS OilPaint pour guider mes coups de pinceau.
07. Construire la composition
(Image: © Ken Coleman)
Une fois que je suis satisfait de la disposition générale et de la combinaison des calques, des textures mélangées et des coups de pinceau, j’appuie sur Fichier> Dupliquer pour faire une copie du projet. Je passe par plusieurs itérations et prends souvent des pièces de différentes versions pour construire le composite final. Je fusionne les calques pour créer le portrait, mais fusionne l’arrière-plan séparément. Cela me permet de créer un Alpha ou un Stencil du sujet à copier et coller dans d’autres versions.
08. Peindre sur l’image préparée
(Image: © Ken Coleman)
Pour préparer mon image pour Corel Painter. Je duplique le calque sujet deux fois et fais de même pour les calques d’arrière-plan. J’enregistre ensuite ce fichier avec le même nom de projet mais avec «PAINTER» à la fin du nom de fichier afin que je sache quelle version ouvrir dans Painter pour la fusion.
09. Briser l’image
(Image: © Ken Coleman)
J’utilise une combinaison de seulement trois par défaut Peintre de Corel pinceaux pour commencer à briser mon image, pour qu’elle ressemble à une peinture abstraite créée avec des couteaux à palette. Ceux-ci se trouvent dans la palette Pinceau. Dans le menu Blender Brushes, j’utilise Fractured Blender et Stencil Oily Blender, et je travaille au trait avec le pinceau Spring Concept Creature qui se trouve dans le dossier Pinceaux de particules. Satisfait de mes calques abstraits, je retourne sur Photoshop pour affiner ces éléments.
10. Rincer, laver, répéter
(Image: © Ken Coleman)
Ce vieil adage résume mon processus. Je peux finir avec trois à six itérations de la même image. J’en garde souvent une comme image principale, puis en utilisant l’outil Lasso et le masque rapide de Photoshop, je coupe des parties de chacune et les combine dans une image principale. J’apporte également plus de textures et d’objets 3D à superposer et à se fondre dans l’image. Je réduis également la taille du sujet de 30%.
11. Utilisez la symétrie et l’abstraction lorsque vous êtes à l’arrêt
(Image: © Ken Coleman)
Je fais une copie de l’image, l’aplatis, duplique le calque et le retourne sur lui-même. En utilisant les modes de fusion tels que Éclaircir et Assombrir, je déplace le calque supérieur sur le bas pour trouver des formes abstraites. Je fusionne et copie ces derniers dans de nouveaux calques et découpe les parties intéressantes. Ceux-ci sont disposés et déposés sur la copie principale pour voir ce qui fonctionne.
12.Faire des ajustements de couleur
(Image: © Ken Coleman)
J’enregistre une copie en tant que nouvelle version, avant de fusionner tous les calques du sujet et de l’arrière-plan séparément et de créer un nouvel Alpha / Stencil. En utilisant ce pochoir sur un nouveau calque défini sur Lumière douce, je peins dans certains bords sombres pour donner à la silhouette un bord plus fort. Cela ajoute une nouvelle couche de profondeur à la composition globale. Puis sur un nouveau calque je dessine des lignes plus fines sur le sujet.
13. Ajoutez les derniers éléments de la photo
(Image: © Ken Coleman)
Je m’éloigne de l’image pendant une journée et reviens avec un regard neuf. Je décide de réduire la taille du cou. J’ajoute ensuite une lueur de jante sous le cou sur un nouveau calque à l’aide de l’outil Lasso et j’applique un jeu de dégradé orange en mode de fusion Pin Light. Je ramène les éléments photographiques pour renforcer le détail et l’aspect culturel. Alors que la pièce approche de sa fin, je décide de créer une autre copie. J’ai à nouveau découpé l’image en utilisant les calques de pochoir d’origine d’un autre fichier. Je réduis la taille du cou, agrandit légèrement la tête et ajoute Grá, qui est Irish for Love écrit en Ogham. Cela équilibre les symboles culturels et la peinture est complète.
Cet article a été initialement publié dans ImagineFX, le magazine le plus vendu au monde pour les artistes numériques. Abonnez-vous ici.
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