Les portraits de l’artiste visionnaire M. Eddy Mumma, maintenant exposés au musée Mennello d’Orlando, débordent de la joie joyeuse de la création | Histoires d’arts et interviews | Orlando

Lorsque l’artiste de Gainesville, M. Eddy Mumma, s’est levé chaque matin, il a été accueilli par une foule de visages impatients, rayonnant sur lui des centaines de toiles qui couvraient chaque pouce d’espace mural dans sa petite maison. C’étaient ses peintures. C’étaient ses copains. L’effet vibrant de foule amicale est reproduit en miniature dans le cadre de la nouvelle exposition du musée Mennello, Les grands portraits de M. Eddy Mumma, exposé jusqu’au 1er août.

Eddy Mumma était un artiste autodidacte qui n’a commencé à peindre qu’à l’âge de 60 ans, nouvellement déménagé à Gainesville, diabétique et confiné à la maison. Malgré ses problèmes de santé, Mumma se jeta pleinement dans son art, et à la fin de sa vie, il avait réalisé près d’un millier de tableaux, dont beaucoup des deux côtés d’une toile particulière ou bien des portes, des feuilles de contreplaqué ou même du verre. (Quelques-unes de ces toiles double face sont exposées, preuve d’un rythme de travail compulsif – après avoir terminé une peinture, Mumma retournait simplement la surface et recommençait.)

Voir cet ensemble massif de peintures de Mumma donne au spectateur un sentiment de la joie joyeuse de la création, de la course à la tête d’expression qui a rempli les jours de Mumma, lui donnant un sursis (sans aucun doute bienvenu) d’une vie tranquille en proie à des problèmes de santé.

«J’imagine que c’était cathartique, comme si c’était une nécessité pour lui, et c’est un fil conducteur parmi de nombreux artistes folkloriques ou artistes opérant vraiment en dehors du monde de l’art», déclare Shannon Fitzgerald, directrice exécutive de Mennello, dans une interview avec Orlando hebdomadaire. «C’était une nécessité; il eu être en train de créer. ”

Mumma est venu en Floride pour vivre près de sa fille, Carroll Gunsaulies, en 1968. Il a commencé à peindre en 1969 à la demande de Gunsaulies, qui lui a suggéré innocemment de suivre un cours de peinture. Mumma n’a pris qu’une leçon – il n’est pas retourné après que l’instructeur l’ait insulté. Mais cela ne l’a pas dissuadé de peindre à un rythme trop prolifique. Sa scolarité proviendrait d’heures interminables passées à réfléchir National Geographic des magazines et des livres d’art présentant des œuvres de Vincent Van Gogh et Hans Holbein.

Vous pouvez voir dans de nombreuses peintures de Mumma des hochements de tête directs à “Girl With a Red Hat” de Vermeer, “Gleaners” de Millet ou au portrait emblématique et obsédant de Steve McCurry de Sharbat Gula (une photo officieusement surnommée “Afghan Girl”) de la couverture de juin 1985 de National Geographic. Mais à mesure que Mumma continuait à peindre avec férocité, son style devenait plus sûr de lui, moins d’hommage, et ses portraits en demi-longueur étaient exécutés dans un style qui lui était propre. Le travail de portrait de Mumma est cinétique et trompeusement simpliste, privilégiant les visages arrondis, les yeux grands ouverts et les lignes simples qui transmettent des expressions et des émotions profondément évocatrices.

Mumma a peint à l’acrylique et a développé son propre sens de la couleur, inversant les palettes traditionnelles «cool» et «chaude» pour définir davantage son esthétique personnelle. «Il existe un sens plus profond de la théorie des couleurs», déclare Fitzgerald. “Au fur et à mesure qu’il faisait plus de travail, il y avait plus de confiance, et c’est là que nous voyons les juxtapositions de couleurs audacieuses – et elles vibrent, car il savait quelles couleurs ensemble feraient cela.”

La façon dont Mumma a signé ses œuvres est devenue une forme d’art en soi. Il incorpore de manière ludique sa signature dans l’œuvre si bien qu’il s’agit parfois d’un élément de composition central, faisant à la fois écho à Warhol et prédisant une ère désormais omniprésente de l’image de marque des artistes célèbres. “Sa signature est très importante. Elle démontre un niveau de confiance et l’échelle dans laquelle il se dit:” Mon nom est important … c’est ma marque, je laisse ça! “”, Déclare Fitzgerald.

Mumma a trouvé une âme sœur chez le professeur du Santa Fe College, Lennie Kesl, qui s’est lié d’amitié avec Mumma et lui a fourni du matériel, des outils et des livres. En retour, Mumma permettrait, étonnamment, à Kesl d’échanger ou d’acheter une peinture de temps en temps, à bon marché. “[Kesl] était vraiment la seule personne à avoir accès à ce [Mumma] pensait, l’accès à sa maison, à ses œuvres », explique Fitzgerald.

Les collectionneurs sont venus frapper à la porte de Mumma, dans l’espoir de posséder l’une de ces œuvres uniques, sentant peut-être que Mumma pourrait être la réponse de North Central Florida à un révérend Howard Finster ou à un Daniel Johnston, mais Mumma les refuserait presque invariablement.

«Son histoire est vraiment intéressante car elle ressemble beaucoup à celle de notre artiste de collection permanente, Earl Cunningham. C’était un artiste folk autodidacte à St. Augustine, et il ne voulait pas vendre son travail non plus. … Eddy Mumma est un peu plus mystérieux. Je comprends qu’il était parfois grincheux et ne voulait pas de personnes sur sa propriété; il était très protecteur de ses œuvres d’art et de ce qu’il faisait », dit Fitzgerald. “Et c’est un fil conducteur de certains de ces artistes qui font du travail, non pas pour le marché, mais pour eux-mêmes.”

À la mort de Mumma en 1986, ce serait un collectionneur, ironiquement, qui sauverait ses œuvres. Josh Feldstein, qui avait déjà été intronisé dans le monde privé de Mumma-mania lorsque Kesl a partagé quelques-unes des peintures de Mumma avec lui, se trouvait en voiture près de la maison de Mumma à Gainesville juste après sa mort et a vu des membres de sa famille nettoyer la maison de Mumma, mais en partant. ses vastes archives de peintures au bord de la route. Feldstein est entré en action, proposant d’en acheter la majorité sur place. Puis il a commencé à travailler avec Gunsaulies pour à la fois préserver l’héritage et faire connaître l’art de son père.

Le Mennello a 25 œuvres de Mumma dans sa collection permanente et donne maintenant à ces «amis de M. Eddy» la vedette qu’ils méritent. (Le travail de Mumma est également conservé dans les collections du Smithsonian American Art Museum, de la Kohler Foundation et de l’American Visionary Art Museum de Baltimore, entre autres institutions prestigieuses.)

Il ne s’agit que de la troisième exposition personnelle de l’œuvre de Mumma dans le pays à ce jour, et c’est une chose étrange et belle de voir autant de ses peintures au même endroit.

«Eddy Mumma, à sa manière, petit ou grand, partageait qu’il comptait et qu’il existait, et son humanité était aussi souvent très douloureuse – ça fait mal d’être dans le monde», conclut Fitzgerald. “Et pourtant notre art persiste, même dans les moments difficiles.”

Lorsque l’artiste de Gainesville, M. Eddy Mumma, s’est levé chaque matin, il a été accueilli par une foule de visages impatients, rayonnant sur lui des centaines de toiles qui couvraient chaque pouce d’espace mural dans sa petite maison. C’étaient ses peintures. C’étaient ses copains. L’effet vibrant de foule amicale est reproduit en miniature dans le cadre de la nouvelle exposition du musée Mennello, Les grands portraits de M. Eddy Mumma, exposé jusqu’au 1er août.

Eddy Mumma était un artiste autodidacte qui n’a commencé à peindre qu’à l’âge de 60 ans, nouvellement déménagé à Gainesville, diabétique et confiné à la maison. Malgré ses problèmes de santé, Mumma se jeta pleinement dans son art, et à la fin de sa vie, il avait réalisé près d’un millier de tableaux, dont beaucoup des deux côtés d’une toile particulière ou bien des portes, des feuilles de contreplaqué ou même du verre. (Quelques-unes de ces toiles double face sont exposées, preuve d’un rythme de travail compulsif – après avoir terminé une peinture, Mumma retournait simplement la surface et recommençait.)

Voir cet ensemble massif de peintures de Mumma donne au spectateur un sentiment de la joie joyeuse de la création, de la course à la tête d’expression qui a rempli les jours de Mumma, lui donnant un sursis (sans aucun doute bienvenu) d’une vie tranquille en proie à des problèmes de santé.

«J’imagine que c’était cathartique, comme si c’était une nécessité pour lui, et c’est un fil conducteur parmi de nombreux artistes folkloriques ou artistes opérant vraiment en dehors du monde de l’art», déclare Shannon Fitzgerald, directrice exécutive de Mennello, dans une interview avec Orlando hebdomadaire. «C’était une nécessité; il eu être en train de créer. ”

Mumma est venu en Floride pour vivre près de sa fille, Carroll Gunsaulies, en 1968. Il a commencé à peindre en 1969 à la demande de Gunsaulies, qui lui a suggéré innocemment de suivre un cours de peinture. Mumma n’a pris qu’une leçon – il n’est pas retourné après que l’instructeur l’ait insulté. Mais cela ne l’a pas dissuadé de peindre à un rythme trop prolifique. Sa scolarité proviendrait d’heures interminables passées à réfléchir National Geographic des magazines et des livres d’art présentant des œuvres de Vincent Van Gogh et Hans Holbein.

Vous pouvez voir dans de nombreuses peintures de Mumma des hochements de tête directs à “Girl With a Red Hat” de Vermeer, “Gleaners” de Millet ou au portrait emblématique et obsédant de Steve McCurry de Sharbat Gula (une photo officieusement surnommée “Afghan Girl”) de la couverture de juin 1985 de National Geographic. Mais à mesure que Mumma continuait à peindre avec férocité, son style devenait plus sûr de lui, moins d’hommage, et ses portraits en demi-longueur étaient exécutés dans un style qui lui était propre. Le travail de portrait de Mumma est cinétique et trompeusement simpliste, privilégiant les visages arrondis, les yeux grands ouverts et les lignes simples qui transmettent des expressions et des émotions profondément évocatrices.

Mumma a peint à l’acrylique et a développé son propre sens de la couleur, inversant les palettes traditionnelles «cool» et «chaude» pour définir davantage son esthétique personnelle. «Il existe un sens plus profond de la théorie des couleurs», déclare Fitzgerald. “Au fur et à mesure qu’il faisait plus de travail, il y avait plus de confiance, et c’est là que nous voyons les juxtapositions de couleurs audacieuses – et elles vibrent, car il savait quelles couleurs ensemble feraient cela.”

La façon dont Mumma a signé ses œuvres est devenue une forme d’art en soi. Il incorpore de manière ludique sa signature dans l’œuvre si bien qu’il s’agit parfois d’un élément de composition central, faisant à la fois écho à Warhol et prédisant une ère désormais omniprésente de l’image de marque des artistes célèbres. “Sa signature est très importante. Elle démontre un niveau de confiance et l’échelle dans laquelle il se dit:” Mon nom est important … c’est ma marque, je laisse ça! “”, Déclare Fitzgerald.

Mumma a trouvé une âme sœur chez le professeur du Santa Fe College, Lennie Kesl, qui s’est lié d’amitié avec Mumma et lui a fourni du matériel, des outils et des livres. En retour, Mumma permettrait, étonnamment, à Kesl d’échanger ou d’acheter une peinture de temps en temps, à bon marché. “[Kesl] était vraiment la seule personne à avoir accès à ce [Mumma] pensait, l’accès à sa maison, à ses œuvres », explique Fitzgerald.

Les collectionneurs sont venus frapper à la porte de Mumma, dans l’espoir de posséder l’une de ces œuvres uniques, sentant peut-être que Mumma pourrait être la réponse de North Central Florida à un révérend Howard Finster ou à un Daniel Johnston, mais Mumma les refuserait presque invariablement.

«Son histoire est vraiment intéressante car elle ressemble beaucoup à celle de notre artiste de collection permanente, Earl Cunningham. C’était un artiste folk autodidacte à St. Augustine, et il ne voulait pas vendre son travail non plus. … Eddy Mumma est un peu plus mystérieux. Je comprends qu’il était parfois grincheux et ne voulait pas de personnes sur sa propriété; il était très protecteur de ses œuvres d’art et de ce qu’il faisait », dit Fitzgerald. “Et c’est un fil conducteur de certains de ces artistes qui font du travail, non pas pour le marché, mais pour eux-mêmes.”

À la mort de Mumma en 1986, ce serait un collectionneur, ironiquement, qui sauverait ses œuvres. Josh Feldstein, qui avait déjà été intronisé dans le monde privé de Mumma-mania lorsque Kesl a partagé quelques-unes des peintures de Mumma avec lui, se trouvait en voiture près de la maison de Mumma à Gainesville juste après sa mort et a vu des membres de sa famille nettoyer la maison de Mumma, mais en partant. ses vastes archives de peintures au bord de la route. Feldstein est entré en action, proposant d’en acheter la majorité sur place. Puis il a commencé à travailler avec Gunsaulies pour à la fois préserver l’héritage et faire connaître l’art de son père.

Le Mennello a 25 œuvres de Mumma dans sa collection permanente et donne maintenant à ces «amis de M. Eddy» la vedette qu’ils méritent. (Le travail de Mumma est également conservé dans les collections du Smithsonian American Art Museum, de la Kohler Foundation et de l’American Visionary Art Museum de Baltimore, entre autres institutions prestigieuses.)

Il ne s’agit que de la troisième exposition personnelle de l’œuvre de Mumma dans le pays à ce jour, et c’est une chose étrange et belle de voir autant de ses peintures au même endroit.

«Eddy Mumma, à sa manière, petit ou grand, partageait qu’il comptait et qu’il existait, et son humanité était aussi souvent très douloureuse – ça fait mal d’être dans le monde», conclut Fitzgerald. “Et pourtant notre art persiste, même dans les moments difficiles.”